Nadine Callebaut

Biografia
1958 -

Sobre el artista

Nadine Callebaut (° 1958) siguió su formación en Sint-Lucas en Gante, vive y trabaja en su estudio en Wingene y ya ha expuesto en varios lugares de Bélgica, Holanda y Alemania. Para la construcción de sus cuadros Callebaut utiliza técnicas tradicionales, que combina con materiales contemporáneos. El soporte básico es a menudo un panel de madera sobre el que se aplican marouflages con líneas lavadas, lienzo sin preparar o papel procesado. Los marouflages se aplican con una cola sin ácido de elaboración propia y solo en pequeñas piezas de la obra, donde se desea obtener una vista en profundidad. A esto le sigue una pintura previa y / o un rejuvenecimiento (grisalla). Sobre esto, se aplican uno o más marouflages de papel resina-lino que contiene aceite y las caras se pintan en una técnica de vidriado al óleo, es decir, pintura en capas de pintura al óleo fina y transparente en la que los colores básicos se mezclan con un -medio preparado (transparencia), y en el que se obtiene el color real de la pintura. Esta es la misma técnica que utilizó Van Eyck para obtener perspectiva y profundidad. La pintura actual está realizada en un papel de fresco especial en el que no es posible fluir, por lo que los rostros son tan detallados. Entre las diferentes capas hay diferentes materiales como tejidos y lino para obtener color, luz y sombra. La capa final es de resina de alquitrán y barniz de cera, de color o no. El punto de partida de Nadine Callebaut son sus propios pensamientos y vivencias, pero su intención es trascender lo personal y así obtener imágenes humanas universales. Las diferentes emociones y la realidad cotidiana se reflejan así directamente en la obra: sobre la necesidad del contacto humano y su fracaso, desde la relatividad de la vida, hasta temas como la violencia y la fugacidad. Todas las figuras están heridas e inmóviles, como si se hubieran solidificado. El pensamiento se expresa en un intento de captar significados y retratarlos a través de la materia. Sin embargo, no quieren lucir sombríos o desolados, pero sí quieren enfatizar una dualidad, tal como el sufrimiento encuentra su contrapeso en el amor, la amenaza hace posible la protección y lo feo implica lo bello. La fragmentación se compensa con una nueva unidad, un nuevo equilibrio y una identidad diferente. Al mismo tiempo Callebaut trae una reflexión sobre las figuras versus sus imágenes internas: "Nunca es mi intención hacer imágenes similares ni psicológicas de personas, sino imágenes internas del espíritu del hombre. No son personas con una historia, sino retratos. de un ser humano enfrentado a multitud de sentimientos confusos, reaccionando a los acontecimientos del mundo, luchando por la unidad, consigo mismo y con su entorno ”. El trabajo surge de una especie de desunión, al juntar las preocupaciones y los dolores en la sociedad y en uno mismo, puede objetivarlos y restaurar la conexión, la unidad. Esto implica un enfoque holístico de las cosas (unidades, totalidades, hollogramas). Sigue existiendo una fascinación generalizada por el fenómeno del tiempo y su influencia en nuestros recuerdos y experiencias. Las figuras muestran cómo el tiempo se ocupa de la impermanencia y su conexión inseparable. La obra busca un punto de descanso; la fugacidad, el exceso de imágenes, el movimiento constante inherente a este tiempo y cultura deben ser rechazados hasta que algo se detenga definitivamente. Un rostro que no muestra más que algunos rasgos de resignación, pero que así lo revela todo.

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